Was dein Atelier über dich verrät

Es gibt einen Moment im Atelier, den jede Malerin kennt. Der Pinsel ist sauber. Das Bild hängt an der Wand. Die Farben sind weggeräumt. Und da steht dieser Behälter — trüb, farbig, schwer — und wartet darauf, dass du entscheidest, was mit ihm passiert. Niemand schaut zu. Niemand wird es wissen. Was du in diesem Moment tust, sagt mehr über dich als jedes Bild, das du je gemalt hast.

Wir erschaffen Schönheit. Und dann?

MalerInnen sind Menschen, die Schönheit ernst nehmen. sieschauen da hin, wo andere wegsehen. Sie fühlen, was andere nur sehen. Und gleichzeitig — in diesem einen Moment am Ende des Malens — schauen viele von uns weg. Das Pinselwasser geht in den Ausguss. Nicht aus Gleichgültigkeit. Sondern weil es so einfach ist. Weil dieser eine Eimer doch keinen Unterschied macht. Aber macht er das wirklich nicht?

Das Atelier als Spiegel

Wie wir mit unseren Materialien umgehen, verrät wie wir mit der Welt umgehen. Ob wir Dinge zu Ende denken oder nur bis zum nächsten bequemen Moment. Übernehmen wir Verantwortung , auch wenn niemand zuschaut. Ein nachhaltiges Atelier ist kein perfektes Atelier. Es ist eines, in dem jemand angefangen hat, die wirklich wichtigen Fragen zu stellen.

Was wirklich dahintersteckt

Acrylfarbe besteht aus Pigmenten, die in Kunststoff gebunden sind. Beim Auswaschen der Pinsel löst sich dieser Kunststoff — feinste Partikel, unsichtbar, unfassbar klein — ins Wasser. Kein Klärwerk der Welt filtert das vollständig heraus. Es landet in Flüssen, in Seen, in Meeren — in denselben Landschaften, die wir auf unsere Leinwände bringen. Das ist kein Vorwurf. Es ist eine Tatsache, die ich selbst lange nicht sehen wollte.

Nachhaltigkeit im Atelier fängt nicht beim richtigen Produkt an. Sie fängt beim Hinschauen an. Die getrocknete Farbhaut, die als Collagematerial weiterlebt oder der Farbrest, der morgen zur Untermalung wird. Die alte Leinwand, die eine neue Geschichte bekommt. Ein Bild beginnt mit den Resten des letzten. Das ist eine Haltung.

Dieses Thema lässt mich nicht los — so sehr, dass mein Mann Christoph und ich angefangen haben, selbst eine Lösung zu entwickeln. Wer neugierig ist: kunstrein.de

Am Ende des Tages

Das nachhaltige Atelier ist kein Ziel, das man irgendwann erreicht. Es ist eine Richtung — eine Entscheidung, die man jeden Tag neu trifft. Wenn niemand zuschaut. Wenn der Behälter wartet. Wer Schönheit erschafft, trägt Verantwortung für die Welt, in der diese Schönheit existiert. Das ist keine Bürde. Das ist das Privileg, Künstlerin zu sein.

Warum wir gerade jetzt malen sollten

Ich sitze hier gerade an meinem Schreibtisch und schaue raus auf die Bäume und denke darüber nach, was Malen eigentlich bedeutet – nicht nur für mich, sondern für uns alle, gerade in dieser Zeit.

In den letzten Jahren ist mir in meinen Workshops etwas aufgefallen, das ich nicht mehr ignorieren kann: Die Menschen kommen nicht mehr nur, um schöne Bilder zu malen. Sie kommen, weil sie einen Ort brauchen, an dem sie einfach mal sein dürfen wie sie sind, an dem niemand bewertet oder reinredet, an dem sie lernen können wie Farbe funktioniert und gleichzeitig etwas ausdrücken können, das sie sonst nirgendwo loswerden.

Technik UND Ausdruck – beides gehört zusammen

Ich bin ja schon über 30 Jahre im Malgeschäft unterwegs und habe in dieser Zeit unzählige Künstler kennengelernt, die entweder wahnsinnig gut in Technik waren aber nichts zu sagen hatten, oder die so viel zu sagen hatten aber nicht wussten wie sie es aufs Papier bringen sollten. Und genau deshalb glaube ich, dass wir beides brauchen – das Handwerk UND den Mut, unsere eigene Stimme zu finden.

Wenn ich in meinen Workshops über Farbtheorie spreche oder zeige wie Komposition funktioniert, dann geht es mir nicht darum dass ihr das nachpinselt was ich euch zeige, sondern dass ihr versteht warum etwas funktioniert und dann damit machen könnt was IHR wollt. Die Regeln sind da um sie zu verstehen, nicht um sklavisch daran festzuhalten.

Kreativität hält uns lebendig

Was mir in letzter Zeit aber noch wichtiger geworden ist: Kreativität gibt uns einen Ort, an dem das was in uns vorgeht raus darf. Dieser ganze Frust, diese Ohnmacht manchmal, diese Wut oder auch diese große Freude – all das kann aufs Papier statt dass es in uns stecken bleibt und zu dieser furchtbaren Taubheit wird, die uns von allem trennt.

Ich glaube nicht, dass Malen die Welt rettet oder große Probleme löst, das wäre übertrieben, aber ich glaube dass es uns bei uns selbst hält und uns lebendig hält von innen. Und wenn wir lebendig bleiben und bei uns bleiben, dann bleiben wir auch verbunden mit anderen Menschen, und das ist vielleicht gerade jetzt eine der wichtigsten Sachen die wir tun können.

Mutig werden beim Malen

In meinen Workshops arbeiten wir konkret – mit Acrylfarben, mit Komposition, mit Farbharmonien und Kontrasten, mit verschiedenen Techniken die euch weiterbringen. Aber immer mit dem Ziel, dass ihr eure eigene Handschrift entwickelt und nicht einfach nur kopiert was ich euch zeige.

Es braucht Mut, das zu malen was in einem steckt. Es braucht Mut, den inneren Kritiker auszuschalten und einfach anzufangen auch wenn man noch nicht weiß wohin es geht. Und genau diesen Mut trainieren wir gemeinsam ganz praktisch mit Pinsel und Farbe und einer Gemeinschaft von Menschen, die alle am gleichen Punkt stehen.

Komm malen

Wenn dich das anspricht – dieses Lernen von Technik UND das Finden deiner eigenen Stimme, dieses Rauslassen von dem was in dir steckt und dabei handwerklich besser werden – dann schau dir meine Workshops für 2026 an. Ich hab ein paar tolle Termine für Malreisen in Deutschland,, der Schweiz und Spanien, und ich würde mich wahnsinnig freuen wenn du dabei bist.

Lass uns zusammen malen. Lass uns lebendig bleiben. Lass uns mutig werden.

Von Herzen, Steffi

Die 12 Tipps, die ich entwickelt habe ohne es zu merken

"Du solltest Workshops geben."

Das hat mir Katherine, eine Kunstlehrerin in Kalifornien gesagt, als sie mich bei einer Ausstellung auf meine Kunst angesprochen hat. Ich lebte ab 2010 für 4 Jahre mit meiner Familie in Kalifornien und war Teil der Magoski Arts Colony.

Ich war total überrascht. Workshops? Ich? Eigentlich hatte ich einfach nur... gemalt. So wie immer. Ausserdem war mein Vater Lehrer und ich wollte nie in seine Fussstapfen treten….aber manchmal kommt das Leben anders :-)

Aber sie sagte "Deine Art ist interessant. Die anderen wollen wissen, wie du das machst. Dieses... Loslassen." Loslassen? Mir war gar nicht bewusst, dass ich etwas "loslasse". Ich malte einfach. Probierte aus. Traute mich. Das fühlte sich nicht besonders an – es war einfach meine Art.

Aber dann fing ich an, Workshops zu geben.

Und da wurde mir einiges klar. Die meisten Künstler kämpfen nicht mit Technik. Sie kämpfen mit dem Anfangen. Mit dem Sich-Trauen. Mit dem Nicht-Wissen-Was-Kommt.

Ich beobachtete oft Workshopteilnehmer, die nicht wussten, wie sie anfangen sollten. Sie fragten mich welche Farben sie nehmen sollten oder welche Striche sie machen sollten.

"Was, wenn es Mist wird?""Was ist, wenn ich die Leinwand versaue?""Ich weiß nicht, wo ich anfangen soll..."

Und ich dachte nur:" Das kenne ich nicht. Warum kenne ich das nicht?"

Was ich durch Workshops über mein eigenes Malen lernte

In der nächsten Zeit nach etlichen Workshops, begann ich zu verstehen: Ich mache Dinge anders…nicht besser….einfach anders.

Auch ich habe am Anfang vieles ausprobiert. War unsicher. Habe mit Techniken, Farben und Materialien experimentiert. Aber ich bin immer weiter gegangen. Ich habe nicht aufgehört. Ich habe mich getraut.

Und irgendwann hatte ich – ohne es so wirklich zu merken – ein System entwickelt. Prinzipien, die ich automatisch anwende.

Diese 12 Tipps sind keine abschließende Liste. Es sind überhaupt nicht ALLE Antworten. Aber es sind die Dinge, die ich immer wieder gesehen habe: Bei mir. Bei anderen, die es geschafft haben. Bei denen, die den Sprung gemacht haben von "Ich weiss nicht was ich machen soll" zu "Ich male einfach".

Heute teile ich diese Prinzipien mit dir.

Nicht als jemand, die nie gezweifelt hat. Sondern als jemand, die gelernt hat, trotz Unsicherheit weiterzumachen.

Die ersten 3 Prinzipien (die sofort helfen)

1. Schaffe Dir Deinen Malmoment: Wie ich vom Kopf in den Körper komme

Ich habe in meinen Workshops beobachtet, dass die Leute oft gestresst ankommen. Der Kopf ist noch bei der Arbeit, bei den Kindern, bei allem – nur nicht beim Malen. Und mir geht es natürlich in meinem Atelier nicht anders.

Einen Malmoment schaffen bedeutet ein einfaches 3-Minuten-Ritual vor jedem Malen. Augen schließen. Drei tiefe Atemzüge. Spüren, wo meine Füße den Boden berühren. Mir sagen: *"Ich habe keine Ahnung, was passiert. Und das ist okay."

Warum das funktioniert?

Wenn dein Nervensystem noch im Stress-Modus ist, überträgt sich das auf dein Bild. Du malst verkrampft, kontrolliert, angespannt. Die ersten 5 Minuten entscheiden über die nächsten 2 Stunden.

Ein bewusster Moment davor schaltet dein Nervensystem um: Von "Fight or Flight" zu "Rest and Create".

Das ist kein esoterisches Getue. Das ist eine Technik, um bei dir, deiner Leinwand und einfach im Moment anzukommen.

Deine Übung: Vor dem nächsten Malen: Stell dich vor die Leinwand, schließe die Augen, atme 3x tief. Spüre, wo deine Füße den Boden berühren. Erst dann greif zum Pinsel.

2. Unsicherheit als Ausgangspunkt: Warum "Ich weiß nicht" der beste Start ist

"Ich weiß nicht, was ich malen soll" – das höre ich in jedem Workshop. Und die meisten sehen das als großes Problem an.

Wenn ich anfange zu malen starte ich genau da - beim Nicht-Wissen. Ich plane nicht. Ich überlege nicht, sondern ich fange einfach an. Und schaue, was passiert.

Warum das funktioniert?

Wenn dein Kopf die ganze Zeit plant und kontrolliert, hat deine Intuition keine Chance. Dein Inneres, das was wirklich ausgedrückt werden will, bleibt stumm.

Aber im Nicht-Wissen passiert Magie.

Die spannendsten Bilder entstehen nicht im Kopf, sondern im Loslassen. Wenn du aufhörst zu kontrollieren, darf dein Unterbewusstsein mitspielen. Und dein Unterbewusstsein weiß Dinge, die dein Verstand nicht weiß.

In meinen Workshops sage ich oft, dass man sich daran gewöhnen soll NICHT zu wissen, was als Nächstes passiert. Gerade in dieser Offenheit liegt die Magie

Deine Übung: Mal 5 Minuten mit geschlossenen Augen. Farbe auf dem Pinsel, Augen zu, bewege deine Hand über die Leinwand. Spüre die Bewegung, nicht das Ergebnis. Öffne erst am Ende die Augen.

Was du siehst, ist nicht gut oder schlecht es ist pur, ungefiltert und authentisch.

Das trainiert dein Vertrauen ins Nicht-Wissen.

3. Der Blick von außen: Die Regel, die ich automatisch anwende

Wenn man im Malprozess ist, tendiert man dazu immer nah an der Leinwand zu stehen und immer weiter zu malen. Dabei sieht man aber nur einzelne Pinselstriche und man verliert sich im Detail. Man verliert dann schnell den Blick für die wichtigen Bereiche im Bild

In meiner Malpraxis trete ich immer wieder von der Leinwand zurück. Mindestens alle 10-15 Minuten gehe ich absichtlich weit weg von der Leinwand. Ich hole mir einen Kaffee, (natürlich nicht alle 10 Minuten ;-) mache ein paar Dehnübungen und denke kurz an ganz was anderes.

Warum das funktioniert?

Aus der Nähe siehst du nur Striche, einzelne Farben und einzelne Bereiche des Bildes. Aber das Bild als Ganzes? Das siehst du nur aus der Distanz.

Abstand verändert alles. Plötzlich siehst du, wo es zu voll ist oder wo es Raum braucht. Auch wo die Spannung fehlt oder wie die Komposition wirkt.

Meine Teilnehmer:innen nerve ich immer mit diesem Tipp. Dieser Blick von außen ist nicht optional. Er ist essentiell. Ohne ihn malst du blind."

Deine Übung: Stell dir einen Timer auf 15 Minuten. Bei jedem Klingeln: Zurücktreten. Auch wenn du mitten in einer Bewegung bist. Schau das Bild an. Nur schauen. Dann entscheide, was als Nächstes kommt.

Diese Unterbrechungen sind keine Störung – sie sind Teil des Prozesses.

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Das waren die ersten 3 Techniken, die ich in meinen Workshops immer wieder weitergebe.

Aber es gibt noch 9 weitere Prinzipien, die genauso kraftvoll sind:

- Wie du intuitiv die richtigen Werkzeuge wählst

- Welche Farbkombinationen maximale Wirkung erzeugen

- Warum Schichten deine Bilder lebendig machen

- Die Drittel-Regel für spannende Kompositionen

- Wie du "Fehler" in Durchbrüche verwandelst

- und 4 weitere Game-Changer

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Die nächsten 3 Prinzipien

4. Finde deinen Flow: Male zügig und flüssig

Viele Leute verkrampfen total, weil sie über jeden einzelnen Pinselstrich nachdenken – "Soll ich hier wirklich dieses Rot nehmen? Ist die Form groß genug? Was wenn..." – kennst du das? Dieser innere Kritiker lähmt uns komplett.

Ich male zügig und flüssig – aber Achtung, das heißt nicht gehetzt oder hektisch! Es geht um einen kontinuierlichen Fluss, um ein Arbeiten ohne große Denkpausen.

Warum das so gut funktioniert:?

Wenn du zügig arbeitest, hat dein innerer Kritiker keine Chance. Deine Hand folgt deiner Intuition, und genau darum geht's! Deine Bewegungen dürfen ruhig sein, fast meditativ, aber lass den Fluss nicht stocken. Vertraue deinen Händen – sie wissen mehr, als du denkst.

5. Sehe das große Ganze: Nach jedem Eingriff das GESAMTE Bild anschauen

Arbeite gezielt an den Stellen, die dein Bild noch "zurückhalten" – an den Bereichen, wo es sich noch nicht rund anfühlt. Aber – und das ist wichtig – nach jedem Eingriff machst du eine Pause.

Tritt zurück (siehe Punkt 3!) und schau dir an, wie sich das GESAMTE Bild verändert hat – nicht nur die Stelle, an der du gerade gearbeitet hast.

Ein dunklerer Fleck hier lässt plötzlich einen ganz anderen Bereich heller leuchten. Eine neue Linie dort verändert die komplette Komposition. Alles hängt zusammen! Deshalb evaluiere nach jeder Veränderung das Ganze neu – sonst siehst du den Wald vor lauter Bäumen nicht.

6. Sei furchtlos: Scheitern ist Wachstum

Was ich ehrlich sagen muss: Wenn dir nie ein Bild misslingt, machst du etwas falsch. Ja, wirklich! Denn dann gehst du nicht an deine Grenzen, probierst nichts Neues aus, riskierst nichts.

Die Bilder, die "schiefgehen", sind oft die wertvollsten Lernmomente. Sie zeigen dir, was noch nicht funktioniert – und genau dadurch lernst du, was funktioniert. Jeder vermeintliche Fehler ist nur eine Lernerfahrung. Nicht mehr, nicht weniger. Also trau dich, mutig zu sein! Scheitern ist nur ein Schritt in die richtige Richtung – und ehrlich gesagt oft der wichtigste Schritt überhaupt.

Die letzten 6 Prinzipien

Okay, bis hierhin hast du jetzt schon 6 wirklich kraftvolle Prinzipien kennengelernt – das ist ehrlich gesagt schon die Basis von allem, was ich in Workshops vermittle. Aber die Reise ist noch nicht zu Ende, sorry!

Die letzten 6 Durchbrüche sind mindestens genauso wichtig –

7. Vertraue auf Komposition: Deine stillen Helfer Der Goldene Schnitt, die Drittel-Regel – klingt nach trockener Theorie, aber diese Grundlagen sind wie gute Freunde, die dir helfen, dein Bild zu strukturieren

8. Tonwerte vor Farbe: Die Kraft von Hell und Dunkel Warum Hell-Dunkel-Kontrast oft wichtiger ist als die schönsten Farben – ein Bild kann farblich perfekt sein und trotzdem flach wirken, wenn die Tonwerte nicht stimmen

9. Male nur für dich: Vergiss die Stimmen im Kopf Vergiss für einen Moment, was später mit dem Bild passiert – diese innere Freiheit, diese Leichtigkeit, die sieht man deinem Bild an

10. Stelle dir die magische Frage: "Was wäre wenn...?" Mein absoluter Lieblings-Trick gegen Malblockaden – diese Fragen katapultieren dich sofort aus dem Stillstand ins Tun

11. Finde dein Thema: Was bewegt dich wirklich? Was lässt dich nicht los? Wenn du weißt, was dich bewegt, entsteht dein Bild fast wie von selbst – es bekommt eine Richtung, eine Seele

12. Entdecke deine Werkzeuge: Dein Material als Partner Unterschiedliche Pinsel, Farben, Untergründe – wenn du deine Werkzeuge bewusst ausprobierst, eröffnen sich neue Ausdrucksweisen, die du mit reiner Theorie nie gefunden hättest

Was Katherine in Kalifornien damals wirklich gemeint hat, als sie meinte ich müsste Workshops geben: Heute – nach hunderten von Workshop-Teilnehmern – verstehe ich endlich, was sie damals gesehen hat.

Es war nicht, dass ich "besser" male als andere oder irgendwie mehr Talent habe.

Es war, dass ich einen anderen Zugang gefunden hatte. Einen Zugang, der mir hilft, trotz Unsicherheit einfach weiterzumachen. Der mir erlaubt, nicht zu wissen, was als Nächstes passiert – und trotzdem einfach zu handeln.

Diese 12 Prinzipien sind mein Versuch, diesen Zugang in Worte zu fassen. Nicht als die eine Wahrheit über das Malen – das wäre ja auch anmaßend. Sondern einfach als Werkzeugkasten, der dir helfen kann, deinen eigenen Weg zu finden. Deine eigene Art zu malen. Deine eigene Stimme.

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Eine letzte Sache: In Kalifornien, als Katherine damals zu mir gesagt hat "Du solltest das unterrichten", dachte ich: "Ich? Was soll ich denn unterrichten? Ich male doch einfach nur."

Heute weiß ich: Genau DAS ist der ganze Punkt.

“Einfach nur" malen. Einfach anfangen. Sich trauen, ohne zu wissen, was passiert.

Das ist keine Kleinigkeit. Für so viele Menschen ist das die allergrößte Hürde überhaupt – größer als jede Technik, größer als jedes Material.

Mach diesen ersten Strich heute. Nicht morgen. Nicht nächste Woche. Nicht wenn du mehr Zeit hast oder dich besser fühlst. Heute.

Wähle ein Prinzip. Nur eins. Male ein Bild damit. 20 Minuten reichen völlig.

Es muss nicht perfekt sein – es muss nicht mal gut sein.

Es muss nur da sein.

Wir sehen uns auf der Leinwand!

Deine Steffi

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Ich habe aufgehört für andere zu malen - und das hat alles verändert.

Diese Diva war der absolute Hingucker auf der Ietzten Ausstellung nicht aus dem Grund, den du denkst.

Es gab diese eine Frage, die ich mindestens 47 Mal gehört habe:

"Wow, diese Farben! So außergewöhnlich! Woher nehmen Sie den Mut, so zu malen?"

Meine Antwort hat viele überrascht:

"Ich male nicht mehr für andere. Ich male für mich."

Manche haben gelacht. Manche genickt, als hätten sie genau darauf gewartet. Einige Künstlerinnen, mit denen ich mich vorher unterhalten hatte, sind wiedergekommen und haben gesagt: "Das habe ich gebraucht. Genau das."

Diese Diva hier – sie sitzt da in ihrer ganzen wilden Farbenpracht. Pink neben Lila, Gelb und Grün in der Hose, Orange-Rot im Hintergrund.

Aber weißt du, was die Leute wirklich fasziniert hat?

Nicht die Farben an sich.

Diese Diva hier – sie sitzt da in ihrer ganzen wilden Farbenpracht. Pink neben Lila, Gelb und Grün im Rock, Orange-Rot im Hintergrund, dazu das kühle Blau.

Sondern dass ich mir die Freiheit genommen habe, zu malen was ICH will.

Nicht was verkäuflich ist und auch nicht was auf Instagram funktioniert. Nicht was "man so macht".

Sondern was sich für MICH richtig anfühlt.

Die wilden Farben und die bunte Hose? Der perspektivisch nicht perfekte Tisch und das fehlende Gesicht?

Das sind nur die äußeren Zeichen dieser inneren Freiheit.

Was ich bei den Gesprächen wirklich gespürt habe

Bei fast jedem Gespräch habe ich gespürt, wie viele von euch sich genau danach sehnen:

Nach dieser Freiheit. Nach dem Mut, sich NICHT zu vergleichen. Nach der Erlaubnis, für sich selbst zu malen.

Und ich habe auch gespürt, wie schwer das ist.

Wie tief dieser innere Kritiker sitzt. Wie automatisch wir uns fragen: "Ist das gut genug? Was werden die anderen denken? Macht man das so?"

Ich kenne das so gut. Weil ich da auch war, und manchmal auch dahin wieder zurückfalle.

Ich habe auch meine Bilder angeschaut und gezweifelt: "Ist das überhaupt richtig?"

Meine Bilder waren damals technisch korrekt. Harmonisch. Nett.

Aber sie waren nicht LEBENDIG. Nicht ECHT. Nicht ICH.

Der Wendepunkt kam, als ich mir drei ehrliche Fragen stellte:

- Warum male ich eigentlich?

- Für wen male ich?** (Spoiler: Nicht für Instagram.)

- Was würde ich malen, wenn niemand zugucken würde?

Diese Fragen haben alles verändert.

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🎨 Kennst du das Gefühl?

Dass du dich beim Malen ständig vergleichst?

Dass du zögerst, weil du dich fragst: "Was werden die anderen denken?"

Dass du manchmal gar nicht mehr weißt, ob du für DICH malst – oder für andere?

Du bist nicht allein damit.

Ich habe ein Workbook gemacht – mit ehrlichen Fragen, praktischen Übungen und einer Prise Humor – das dir hilft, genau da rauszukommen.

"Raus aus dem Vergleich – rein in deinen eigenen Ausdruck"

✅ Der Authentizitäts-Kompass (11 tiefe Fragen)

✅ Übung: Male heute nur für dich (10-Min-Challenge)

✅ Affirmationen gegen den inneren Kritiker

✅ Komplett kostenlos

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Die 3 größten Erkenntnisse, die ich gewonnen habe

1. DU MALST NICHT FÜR INSTAGRAM - DU MALST FÜR DICH

Das klingt so selbstverständlich, oder?

Aber mal ehrlich: Wie oft denkst du beim Malen schon daran, ob das Bild auf Instagram funktioniert? Ob es verkäuflich ist? Ob es anderen gefällt?

Das passiert nicht bewusst. Aber es bestimmt unsere Pinselstriche.

Jedes Mal, wenn sich dieser Gedanke einschleicht – "Was werden die anderen denken?" – verlierst du ein Stück deiner kreativen Freiheit.

Und in der Ausstellung habe ich erfahren, dass die Leute das spüren. Sie spüren, ob ein Bild aus echter Freiheit entstanden ist – oder aus dem Wunsch zu gefallen.

Die Diva funktioniert nicht, weil sie "schön" ist. Sie funktioniert, weil sie ECHT ist.

2. VERGLEICHEN KILLT DEINE KREATIVE STIMME

Ich weiß, wie verlockend es ist. Auf Instagram scrollen. Andere Künstler anschauen. Denken: "Wow, so will ich auch malen können."

Aber hier ist die Sache:

Deine künstlerische Stimme ist schon in dir. Du musst sie nur rauslassen.

Und das geht nicht, indem du dich mit anderen vergleichst. Das geht nur, indem du anfängst, auf DICH zu hören.

Was zieht dich an? Was fühlt sich richtig an? Was würdest du malen, wenn niemand zugucken würde?

In meinem Workbook habe ich Fragen zusammengestellt, die dir helfen, genau das herauszufinden. Nicht oberflächlich "Was ist deine Lieblingsfarbe?", sondern wirklich tief: Was bewegt dich? Was willst du ausdrücken?

3. AUTHENTIZITÄT SCHLÄGT PERFEKTION - IMMER

Der perspektivisch nicht perfekte Tisch bei meiner Diva? Der macht das Bild interessant.

Das fehlende Gesicht? Genau deshalb funktioniert es.

Die "unmöglichen" Farbkombinationen? Die machen es lebendig.

Ich male nicht, um perfekt zu sein. Ich male, um echt zu sein.

Und weißt du was? Das gibt dir so eine krasse Freiheit.

Du musst nicht mehr warten, bis du "gut genug" bist. Du musst nicht mehr zögern, weil es vielleicht nicht perfekt wird. Du kannst einfach MALEN. Einfach SEIN.

Und genau diese Freiheit – die spüren die Leute. In Ausstellungen. Auf Instagram. Überall.

Was im Workbook auf dich wartet

Ich habe das Workbook gemacht, weil ich gemerkt habe, dass so viele Menschen mit genau dem kämpfen, womit ich auch gekämpft habe.

Mit dem ständigen Vergleichen. Mit der Angst, nicht gut genug zu sein. Mit der Frage: "Darf ich das überhaupt?"

Das Workbook ist kein Kunst-Theorie-Wälzer. Versprochen.

Es ist eine Sammlung von Fragen, Übungen und Impulsen, die dir helfen:

🎨 Dich vom ständigen Vergleichen zu lösen

Mit dem Authentizitäts-Kompass – 11 Fragen, die dich wirklich weiterbringen:

- "Welche Farben ziehen mich immer wieder an – egal was 'passt'?"

- "Welche Gefühle versuche ich manchmal zu verstecken, statt sie zu malen?"

- "Wann höre ich auf meine Intuition – und wann auf meine Angst?"

🌈 Deine eigene künstlerische Stimme zu finden

Mit einer konkreten Übung: "Male heute nur für dich"

- 3 Farben, ohne zu überlegen

- 10 Minuten Timer

- Zeig es niemandem

💥 Zu erkennen, ob du wirklich frei malst

Mit einer ehrlichen Checkliste:

- "Ich male oft nach Trends" ☐

- "Ich habe Angst, dass andere meine Kunst nicht ernst nehmen" ☐

- "Ich male am liebsten, wenn niemand zusieht" ☐

😊 Wieder Freude beim Malen zu spüren

Mit Affirmationen, die du dir über deinen Maltisch hängen kannst:

- "Ich male nicht, um anderen zu gefallen – ich male, um mich gut zu fühlen"

- "Ich vertraue meinem Gefühl mehr als der Meinung anderer"

- "Ich darf verrückt sein!"

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Bereit, deine eigene Stimme zu finden?

Was du bekommst:

✅ 8-seitiges Workbook mit Reflexionsfragen

✅ Der Authentizitäts-Kompass (11 Fragen)

✅ Konkrete Mal-Übung "Nur für dich"

✅ Checkliste: Bist du wirklich frei?

✅ Affirmationen zum Ausdrucken

Komplett kostenlos. Kein Verkauf. Kein Upsell.

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Eine letzte Sache

Nach der Ausstellung bekam ich einige Emails.

Eine Frau, mit der ich mich lange unterhalten hatte, schrieb: "Ich habe so lange nicht mehr gemalt, weil ich dachte, ich bin nicht gut genug. Aber nachdem ich den Mut in deinen Bilder gesehen habe, und Du mir erklärt hast, was dahinter steckt,habe ich wieder angefangen."

Das hat mich echt berührt. Weil genau DAS ist der Punkt.

Es geht nicht darum, perfekt zu sein. Es geht nicht darum, besser zu sein als andere. Es geht nicht darum, auf Instagram zu funktionieren.

Es geht darum, wieder anzufangen. Wieder für DICH zu malen. Wieder diese Freiheit zu spüren.

Und wenn dieses Workbook dir dabei hilft – auch nur ein kleines bisschen – dann hat es sich schon gelohnt.

Fang heute an.

Lade das Workbook herunter. Beantworte eine Frage. Male ein Bild nur für dich – 10 Minuten, niemand schaut zu.

Es muss nicht perfekt sein. Es muss nur DEINS sein.

Wir sehen uns auf der Leinwand!

Deine Steffi

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Mehr aus dem Artlog:

→ 12 Prinzipien für furchtlose Malerei

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Die Inspiration wartet schon in dir (du musst sie nur zulassen)

"Ich weiß nicht, was ich malen soll."

Wenn ich diesen Satz höre, nicke ich sofort, weil ich das so gut kenne – diese Künstlerinnen, die vor der leeren Leinwand stehen und warten, die Pinterest durchscrollen, Instagram durchforsten, durch Galerien wandern, immer auf der Suche nach der Idee. Und weißt du was?

Das ist vollkommen normal, das machen wir alle, ich habe das auch gemacht, aber hier ist der Plot Twist: Wenn du nach Inspiration suchst, schaust du in die völlig falsche Richtung – nach außen statt nach innen.

Was wir verwechseln: Inspiration und innere Stimme

Hier ist etwas, das viele Künstlerinnen erst nach Jahren verstehen: Es gibt einen riesigen Unterschied zwischen der Inspiration, die beim Malen kommt (die Farbe, die plötzlich funktioniert, der überraschende Pinselstrich), und deiner inneren Stimme – dem, was du eigentlich zu sagen hast. Die Inspiration kann tatsächlich beim Malen entstehen, im Prozess, im Tun, aber deine innere Stimme – das, was du sagen willst – die solltest du vorher kennen, sonst malst du jahrelang umher, ohne wirklich anzukommen.

Deine innere Stimme wohnt schon in dir

Sie ist nicht irgendwo da draußen versteckt, sondern sie ist in dir, war schon immer da, auch wenn du sie vielleicht noch nicht merkst, weil sie leise ist und wir oft denken, unsere Stimme müsste laut sein, dramatisch, besonders originell oder bedeutungsschwer.

Aber das stimmt nicht – deine Stimme ist einfach das, was dich anzieht, was dich berührt, was dich nicht loslässt, egal ob es "groß" oder "klein" erscheint, ob es eine Farbe ist, die dich magisch anzieht, oder eine Emotion, die du ausdrücken willst, oder ein bestimmtes Thema, das dir unter die Haut geht.

Der entscheidende Unterschied

Wenn du deine innere Stimme kennst, dann wird das Malen so viel leichter, weil du nicht mehr vor der Leinwand stehst und denkst "Was soll ich bloß malen?", sondern du weißt "Ah, ich erforsche mein Thema weiter, ich gehe tiefer, ich probiere eine Variation." Und dann kann die Inspiration beim Malen kommen, sie kann dich überraschen mit einer perfekten Farbkombination oder einem Pinselstrich, der genau richtig aussieht, aber – und das ist der entscheidende Punkt – diese Inspiration hat eine Richtung, weil du weißt, wohin du gehst, und deshalb erkennst du, wenn etwas passt oder nicht passt, wenn es dich näher zu deiner Stimme bringt oder davon wegführt.

"Wenn du weißt, was du sagen willst, kann die Inspiration beim Malen fließen."

Stell dir vor

Du willst deine Wohnung renovieren, aber du weißt nicht, wie du sie haben willst – du kaufst heute einen Teppich in Blau, morgen einen Sessel in Orange, übermorgen Vorhänge in Grau, und nach Monaten sitzt du in einem Raum, wo nichts zusammenpasst, wo du dich nicht wohlfühlst, obwohl jedes einzelne Teil für sich schön war.

Aber wenn du weißt "Ich will einen hellen, skandinavischen Stil mit Naturmaterialien", dann erkennst du sofort, ob dieser Teppich zu deiner Vision passt, dann können dich unterwegs Dinge überraschen, aber alles fügt sich zu einem stimmigen Ganzen zusammen, statt dich mit Chaos zu überfordern.

Was passiert ohne innere Stimme

Ohne diese klare innere Stimme malst du jahrelang umher – heute Blau, morgen eine Landschaft, übermorgen etwas Abstraktes – und jedes einzelne Bild mag für sich schön sein, aber es führt nirgendwohin, es baut nicht aufeinander auf, es entwickelt sich nicht weiter. Du stehst nach Jahren vor einer Sammlung von Bildern, die zusammenhanglos nebeneinander stehen, und fragst dich immer noch "Wer bin ich als Künstlerin? Was ist meine Handschrift?"

Aber wenn du weißt, was dich ruft, wenn du deine innere Stimme kennst, dann wird das Malen plötzlich so viel freier, weil die Inspiration beim Malen kommen darf, weil sie dich überraschen kann, aber sie hat eine Richtung, sie bringt dich tiefer in dein Thema statt überall hin und nirgends.

Wie du deine innere Stimme findest

Du musst dir die Zeit nehmen zu schauen: Was zieht mich an? Was berührt mich? Was will ich erforschen? Diese Fragen beantwortest du nicht auf der Leinwand, sondern in Ruhe, bevor du malst, weil das die Grundlage ist, das Fundament, auf dem dann alles andere aufbaut.

In meinem in person Kursen an den Kunstakademeien in Bad Heilbrunn, in Römerstein und an der Dietschiart Kunstakademei in der Schweiz und auch in der MUTIG MALEN ACADEMY zeige ich dir genau das: Wie du herausfindest, was dich wirklich anzieht, wie du es konkret machst (nicht zu schwammig, sondern so klar, dass du weißt "Ah, DAS male ich als nächstes"), und dann, erst dann, wie du es auf die Leinwand bringst – und an diesem Punkt kann die Inspiration beim Malen kommen und dich bereichern, aber sie zerstreut dich nicht mehr, weil du eine Richtung hast.

"Lass uns zuerst finden, was du sagen willst – dann kann die Magie beginnen."]

How to use Bitumen in abstract paintings

In this strange Corona year 2020, many things did not go as we would all have liked.

One advantage of this strange situation was and is for me that I can use the long time that I now spend at home to paint. Since my studio is in our home, I can always paint without leaving the house if I want to. The possibility of being able to express myself creatively using color has helped me a lot in the past few months to keep my mental balance.

I had the time and leisure to try out new things and materials. Inspired by the Swiss artist Robert Süess, I tried to incorporate bitumen into my work. Yes, I know ... bitumen is actually the black stuff that you seal garage roofs with and what does that have to do with painting? But in fact you can use it on canvas too !! I was fascinated by this material from the beginning and now I use it in almost all pictures. Bitumen gives the pictures more depth and I have to be surprised by the material even more than usual and then react. This means I have to let go of my preconceived ideas and let go. It's not always that easy, but engaging with this unusual material creates interesting and lively images that I myself am often fascinated by and that I would never have expected in advance.

In diesem doch so seltsamen Corona Jahr 2020 sind wirklich viele Dinge nicht so gelaufen, wie wir uns alle das gewünscht hätten.

Ein Vorteil dieser seltsamen Situation war und ist für mich aber doch, dass ich die viele Zeit, die ich nun zuhause verbringe, zum Malen nutzen kann. Da sich mein Atelier in unserem Zuhause befindet, kann ich ohne das Haus zu verlassen immer Malen, wenn ich es möchte. Die Möglichkeit mich kreativ mittels Farbe ausdrücken zu können hat mir in den vergangenen Monaten sehr geholfen mein seelisches Gleichgewicht zu behalten.

Ich hatte die Zeit und Muße auch mal neue Sachen und Materialien auszuprobieren. Angeregt vom Schweizer Künstler Robert Süess habe ich ausprobiert Bitumen in meine Arbeiten einfließen zu lassen. Ja, ich weiß….Bitumen ist eigentlich das schwarze Zeug, womit man Garagendächer abdichtet und was soll das mit Malerei zu tun haben??  Aber man kann es in der Tat auch auf Leinwänden verwenden!!Von Anfang an hat mich dieser Werkstoff fasziniert und mittlerweile verwende ich ihn nahezu in allen Bildern. Mit Bitumen erhalten die Bilder mehr Tiefe und ich muss mich noch mehr als sonst, vom Material überraschen lassen und dann reagieren. Dadurch muss ich mich von meinen vorgefassten Ideen lösen und loslassen. Das ist nicht immer so leicht, aber durch diese Auseinandersetzung mit diesem ungewöhnlichen Material entstehen interessante und lebhafte Bilder, von denen ich selbst oft fasziniert bin und mit denen ich im Vorhinein nie gerechnet hätte.

There are two types of bitumen ... water soluble and water insoluble. Both types can be used to apply to the canvas.

Water-insoluble bitumen is darker in color - almost black - smells terrible and takes longer to dry. If you apply it to the canvas and add paint or water, the materials separate and there are very interesting effects after drying. Water-soluble bitumen, e.g. insulating paint from the hardware store, does not smell as bad and also dries a little faster. You can paint it together with paint or water and the effects that arise are a bit different than with the water-insoluble bitumen. With both materials you can generate wonderful flowing effects.

Attention!! In no case - in both cases - paint the bitumen with a brush ... you can then throw it away!!

Here are a few examples of what bitumen can look like when mixed with water, paint, binder or marble powder and allowed to run on canvas. The more brown areas are water-soluble bitumen. The very dark, partly dotted areas, which you can already see that the materials do not mix with one another, are water-insoluble bitumen.

Es gibt zwei Arten von Bitumen…wasserlöslichen und wasserunlöslichen. Beide Arten kann man zum Aufbringen auf die Leinwand verwenden. Wasserunlöslicher Bitumen ist farblich dunkler – fast schwarz- stinkt fürchterlich und dauert länger, bis er trocknet. Bringt man ihn auf die Leinwand auf und fügt Farbe oder Wasser hinzu trennen sich die Materialien und es gibt nach dem Trocknen sehr interessante Effekte.

Wasserlöslicher Bitumen, z.B. Isolieranstrich aus dem Baumarkt, stinkt nicht so sehr und trocknet auch ein bischen schneller. Man kann ihn mit Farbe oder Wasser gemeinsam vermalen und die Effekte, die dann entstehen sind ein bischen anders, als mit dem wasserunlöslichen Bitumen. Bei beiden Materialien kann man wunderbare verlaufende Effekte generieren. Vorsicht!! Auf keinen Fall – in beiden Fällen- den Bitumen mit einem Pinsel vermalen….den kann man danach wegschmeissen. Hier sind einige Beispiele, wie Bitumen aussehen kann, wenn man ihn vermischt mit Wasser, Farbe, Binder oder Marmormehl auf der Leinwand verlaufen lässt. Die eher braunen Bereiche sind dabei Wasserlöslicher Bitumen. Bei den sehr dunklen zum Teil gepunkteten Bereiche, denen man schon ansieht, dass sich die Materialien nicht miteinander vermischen, handelt es sich um wasserunlöslichen Bitumen.

 Hier sind Beispiele von fertigen Bildern, in denen Bitumen verwendet wurde: